视频简介
2011年3月26日，德国布格豪森，第42届国际爵士周，瓦克大厅。库尔特·埃林带着他的五重奏站上这个巴伐利亚小镇的舞台。距离他上一张专辑《Dedicated to You》拿到格莱美已经过去两年，新专辑《The Gate》刚在两个月前发行，制作人是唐·沃斯——那个给滚石、鲍勃·迪伦、邦妮·瑞特做过唱片的人。布格豪森这场演出，某种程度上是《The Gate》的一次现场检验。曲目单里有《Stepping Out》《Norwegian Wood》《Matte Kudasai》《Golden Lady》《After the Love Has Gone》这些新专辑的核心曲目，也有《Dedicated to You》和《Samurai Cowboy》这样来自上一阶段的作品。乐队的配置是埃林那几年最稳定的班底：劳伦斯·霍布古德坐在钢琴前，他是埃林的音乐总监，从1995年第一张专辑开始就没离开过；约翰·麦克莱恩的吉他在这套曲目里扮演了关键角色，《Norwegian Wood》里那段失真的独奏在录音室版里就是他的声音；贝斯手哈里斯·拉加万和鼓手尤利西斯·欧文斯构成了节奏组的底。瓦克大厅的声学对埃林这种依赖麦克风细节的歌手来说并不总是友好，但这场录音里他的男中音依然保持了那种标志性的厚度，低音区的共鸣扎实，高音区的延展不带勉强的痕迹。整场演出最值得注意的，是埃林如何把《The Gate》那些录音室里经过多层人声叠录的曲目，在只有一个人的现场还原出来。《Samurai Cowboy》里他模仿管乐和人声打击乐的段落，在录音室版里是叠出来的，现场他得用嘴和麦克风的距离控制来完成。
乐评：
布格豪森2011这场演出，最值得被讨论的不是埃林唱了什么，而是他如何在一个没有叠录的现场，还原一张以叠录为特征的专辑。《The Gate》的制作人唐·沃斯给埃林的声音加了一层录音室里才有的纵深：多层人声和声、声部之间的对话、那些在耳机里才能分辨清楚的细节。瓦克大厅的舞台没有这些。埃林只有一副嗓子、一支麦克风，和四个坐在他身后的乐手。但恰恰是这种限制，让这场演出暴露了埃林作为歌手的真正底牌：他的拟声唱法不是录音室技术的产物，他的音准不需要修，他的节奏感不需要对齐。在《Samurai Cowboy》里，录音室版那段人声打击乐是层层叠上去的，现场他一个人从头到尾走了一遍，气口和音节的密度靠的是肺活量和肌肉记忆，不是剪辑。霍布古德在这场的角色同样值得被认真对待。他在《Stepping Out》开头的钢琴lick直接取自乔·杰克逊的原版，但紧接着他就让那个动机变得有弹性，给埃林的旋律留出了滑动的空间。麦克莱恩的吉他在《Norwegian Wood》里那段失真的独奏，在录音室版里是整张专辑最突兀也最过瘾的时刻，现场他把那种粗糙感保留了下来，没有因为是在爵士音乐节就收敛。整场的遗憾在于曲目偏向《The Gate》的素材，埃林早期那些更接近纯爵士原创的作品出现得不多。但七十分钟里，他证明了一件事：一个在录音室里被精心制作过的声音，在现场依然站得住。
列表：
| 歌名 | 发行专辑 | 年份 |
|---|---|---|
| Stepping Out | The Gate | 2011 |
| Dedicated to You | Dedicated to You | 2009 |
| Samurai Cowboy | The Gate | 2011 |
| Norwegian Wood | The Gate | 2011 |
| Matte Kudasai | The Gate | 2011 |
| The Waking | Nightmoves | 2007 |
| After the Love Has Gone | The Gate | 2011 |
| Golden Lady | The Gate | 2011 |
| Nicht wandle, mein Licht | 现场曲目（勃拉姆斯改编） | 2011 |
（曲目参考现场录音记录整理）
总结：
看这场布格豪森的录像，最让人印象深刻的不是任何一个高音，而是埃林在《Samurai Cowboy》里用嘴模仿管乐的那几十秒。录音室版里那段是叠出来的，一层一层的人声铺上去，听起来像一支小型管乐队。现场他只有一张嘴。他做了，而且做得不差。那种“不差”里有一种很具体的东西：一个歌手对自己的身体作为乐器的信任。2011年的埃林，已经是第十二次被DownBeat评论家投票选为年度男歌手，JazzTimes和爵士记者协会的男歌手奖也拿了好几轮。这些头衔放在别人身上可能会变成一种负担，让人在台上变得保守。埃林没有。他在布格豪森选的曲目里，有金·克里姆森的歌，有斯蒂维·旺德的歌，有地球风与火的歌，有勃拉姆斯。这些歌放在一起本来应该是一锅乱炖，但埃林让它们听起来像是同一个人在不同房间里说的话。瓦克大厅的观众是懂行的，他们在《Norwegian Wood》那段失真吉他独奏之后没有惊讶地交头接耳，他们接受了。巴伐利亚的爵士音乐节观众大概已经习惯了埃林把各种东西往爵士里塞。七十分钟结束，他唱了一首勃拉姆斯的艺术歌曲改编，安静地收尾。从金·克里姆森到勃拉姆斯，中间隔着五十年的流行音乐史，埃林用一场演出把它们串了起来。
Elling在Samurai Cowboy里用嘴模仿管乐那段，录音室版是叠出来的，现场他一个人硬走了一遍，气口控制太强了。
Norwegian Wood里John McLean那段失真吉他独奏，在爵士音乐节上听到这种声音真的会愣一下，但放在Elling的版本里就是对的。
2011年3月布格豪森，The Gate刚发两个月，这场算是新专辑的现场检验，状态好得不像巡演初期。
瓦克大厅的声学对Elling这种人声细节丰富的歌手其实不太友好，但这场录音里他的低音区还是稳的。
Laurence Hobgood在Stepping Out开头的钢琴lick直接照搬Joe Jackson原版，然后马上把那个动机拆了，太聪明了。
Harish Raghavan那年的贝斯，和后来Clark Sommers的感觉不太一样，Raghavan更轻一点，但根音走得很聪明。
有人说Elling太“知识分子”了，但这场里他在After the Love Has Gone的处理其实很放松，没有硬塞什么概念。
Matte Kudasai原版是King Crimson，Elling把它唱得比原版更慢更暗，那种孤独感反而更重了。
适合晚上戴耳机看，Elling在慢歌里的麦克风距离控制，录像里能看出很多细节。
Golden Lady的现场比录音室版更有劲，Hobgood的钢琴独奏那段是整场最亮的时刻之一。
Hobgood和Elling的默契不用说了，1995年到现在，他在Elling飞出去的时候永远知道什么时候该接什么时候该退。
Raghavan在The Waking里的贝斯线很朴素，就是根音和五度，但那首歌不需要更多。
Nicht wandle mein Licht收尾太意外了，勃拉姆斯的艺术歌曲被改成爵士，而且居然不违和。
布格豪森的舞台灯光偏暗，Elling穿深色西装站在中间，整个人被衬得很干净。
Ulysses Owens的鼓在Samurai Cowboy里跟得很紧，那种节奏密度不是每个鼓手都能接住的。
The Waking是Nightmoves那张里的，现场版比录音室版更慢，Elling把它唱得更像一首诗。
现场录音的人声很贴脸，但乐队稍微有点被压，Hobgood的钢琴在混音里有时候会退得太远。
Elling是那种让你重新理解“爵士歌手”这个词的人，他不是在唱歌，他是在和乐手一起演奏。
希望这场能出实体，布格豪森的现场录音质量一般都不差，但很多都没发行。
听Elling的vocalese可以学怎么在即兴里保持歌词的叙事性，他不是随便填字，每个句子都有意思。
不是那种会让你立刻变成粉丝的演出，但如果你已经知道Elling是谁，这场很够。
他在台上话不多，介绍曲目的时候也就一两句，然后就回到音乐里，那种不啰嗦的态度很好。
2011年3月26日，布格豪森第42届，The Gate发行两个月，这些数字放在一起有种时间胶囊的感觉。
Hobgood在Matte Kudasai里的voicing很简单，几乎没有复杂的和声，就是老老实实铺旋律底下的东西。
整场最安静的时刻是Nicht wandle mein Licht，只有钢琴和声音，瓦克大厅那么大的场子安静得能听到呼吸声。
有人说Elling的选曲太杂了，King Crimson和Stevie Wonder放在一起，但这场里他让它们听起来像是同一个人的不同面。
Kurt Elling证明了爵士 vocal 可以不只是唱标准曲，你可以唱任何东西，只要你有本事让它变成你的。
After the Love Has Gone的改编很聪明，原版的EWF律动被保留了骨架，但换上了爵士的和声颜色。
布格豪森的观众很安静，曲目之间的掌声来得克制，但每首结束的时候都能听出他们是真听进去了。
Elling的音准是那种不需要担心的东西，你从来不会在他的现场里听到“差一点”的音。
伦敦的爵士圈对Elling一直很认，但布格豪森这场比他在Ronnie Scott’s的演出更放得开，可能因为音乐节的观众更宽容。
看完最大的感想是，一个连续十几年被各种投票选为最佳男歌手的人，还在现场做Samurai Cowboy那种冒险的事，不容易。
录像的镜头很少切观众，大部分时间给的是Elling和乐手之间的互动，这种取舍很对。
Raghavan在Golden Lady里的行走线很舒服，Stevie Wonder原版的律动被保留下来了，只是换了乐器。
听完这场去听The Gate录音室版，会发现现场的他更放松，录音室版被Don Was打磨得有点太顺了。