[古典音乐 Classical] 安娜·维多维奇（Ana Vidović）-Lambrecht现场：莱茵兰-普法尔茨小镇教堂里的巴赫大提琴组曲与“没有安全网”的独奏

视频简介

B站标题里的“LAMBRECHT”，指向的是德国西南部小镇兰布雷希特（Lambrecht）的一场现场录像，由“Classical Guitar Events”组织拍摄。根据可查的存档信息，这场独奏会录制于2019年，是安娜·维多维奇在欧洲巡演中的一站。兰布雷希特不是柏林爱乐大厅，也不是阿姆斯特丹音乐厅，它是一座莱茵兰-普法尔茨州的小镇，演出空间更接近教堂或社区音乐厅的尺度。这种场地选择本身就决定了听感：没有大型音乐厅的混响包裹，吉他的声音出来就散在空气里，每一个音的起落都无处躲藏。曲目单以巴赫《G大调第一无伴奏大提琴组曲》BWV 1007（Valter Dešpalj改编）开场，随后是朱利亚尼《大序曲》Op.61、斯卡拉蒂两首奏鸣曲（K.322与K.380）、泰雷加《阿尔罕布拉宫的回忆》、巴里奥斯《大教堂》与《上帝之爱》，以及索尔《莫扎特主题变奏曲》Op.9，最后以阿尔贝尼斯《阿斯图里亚斯》收束。这份曲目单与维多维奇在圣马可教堂那场著名的2021年录像有重叠，但排序不同：圣马可场以巴赫《长笛组曲》BWV 1013开场，而兰布雷希特场选择的是大提琴组曲，两首巴赫改编曲在气质上截然不同，前者是长笛的轻盈，后者是大提琴的深沉。

乐评：
兰布雷希特这场录像最值得先说的，是巴赫《大提琴组曲》第一号在吉他上的声音。Dešpalj的改编把大提琴的持续音线条拆解成吉他指板上可以同时拨响的和弦与分解音型，前奏曲开头那个著名的琶音动机在吉他上不再是弓弦摩擦的绵长，而是六根弦依次振动的颗粒感。维多维奇的处理偏快，没有把前奏曲弹成沉思，她让它流动起来，像一个人在走路而不是在站着想事情。阿拉曼德舞曲的装饰音被她弹得干净利落，库朗的奔跑有一种不加修饰的雀跃。这种“不沉重”的巴赫处理，在兰布雷希特的小空间里是合适的，因为教堂或社区厅的声学本来就不会给声音加上厚重的混响糖衣，如果演奏再慢再沉，整首曲子会变得干涩。朱利亚尼《大序曲》Op.61是整场曲目单里最“古典”的一首，十九世纪初的吉他文献，结构上更接近奏鸣曲式，维多维奇在这里的触键比巴赫段落更实，低音声部的行走被推得比较清楚，快板段落的音阶跑动干净到几乎听不见换把痕迹。斯卡拉蒂两首奏鸣曲是整场最轻快的几分钟，K.322的快速音型与K.380的分解和弦在她手里有一种近乎键盘乐器的清晰度，没有用多余的揉弦去模糊那些短促的动机。泰雷加《阿尔罕布拉宫的回忆》是吉他文献里被弹得最多也最容易被弹滥的一首，维多维奇的处理有一种克制的尊严：轮指段落（ tremolo）的速度不快，每一个音都交代得清楚，没有把这首曲子变成一场“谁弹得更快”的比赛。巴里奥斯《大教堂》的前奏曲段落被处理得偏慢，低音区的行走有一种教堂管风琴般的庄重感，而《上帝之爱》的轮指则带着一种近乎悲悯的温柔。索尔的《莫扎特主题变奏曲》放在接近结尾的位置，维多维奇在这里展示了她的古典语法功底，主题的每一次变奏都有清晰的性格区分，不靠速度变化来制造对比。最后的《阿斯图里亚斯》是整场唯一一首“炫技型”的收束，她的速度偏快，中段旋律在低音区行走时没有用夸张的渐强去制造西班牙风情，而是让节奏的推动力自己说话。整场演出没有中场休息的信息，曲目量在一个小时出头，兰布雷希特的小空间让维多维奇的声音保持了一种“近”的质地，听众能听到指甲触弦的瞬间，也能听到琴箱共鸣的余韵在空气里慢慢消失。

列表：

总结：
兰布雷希特是德国西南部的一座小镇，人口不多，演出场地大概不会比一个社区礼堂大多少。安娜·维多维奇坐在那里，面前是一把古典吉他，身后没有乐团，没有指挥，没有安全网。巴赫的大提琴组曲从她的指板上出来，前奏曲的琶音一个一个落下，干净，不拖，像一个人在一条小路上走得很快但每一步都踩得稳。然后朱利亚尼、斯卡拉蒂、泰雷加，一首接一首。阿尔罕布拉宫的回忆响起来的时候，轮指的速度不快，每一个音都听得见，那种克制在吉他演奏里比炫技更难。巴里奥斯的大教堂前奏曲慢下来，低音在琴箱里共鸣，兰布雷希特的小空间让那些共鸣在空气里停了一会儿才散掉。索尔的莫扎特变奏接近结尾，古典语法被交代得清清楚楚。阿斯图里亚斯收束整场，速度偏快，中段旋律在低音区走，没有夸张的渐强，节奏自己在推。2019年的兰布雷希特，一个克罗地亚女人用一把吉他，在一个小镇的厅里，把从巴赫到阿尔贝尼斯的曲目单弹了一遍。关掉视频之后记得的不是任何一首具体的曲子，是那种“近”的感觉：吉他声音不大，空间不大，但每个音都在。